Forward Stance Studio Artists

À la fois vecteur de lien, espace de dialogue, point de vue et prise de position, le programme Forward Stance Studio soutient et célèbre les nombreuses expériences transformatrices au sein de nos communautés de montagne uniques. Créé en 2022 comme un projet pluriannuel et continu, ce programme agit comme un catalyseur pour tisser des liens et renforcer les relations au sein de la communauté, tout en mettant en lumière des artistes locaux et divers, engagés dans des pratiques durables.

De cette manière, le Forward Stance Studio vise à favoriser une culture inclusive et durable qui invite chacun à vivre des moments révélateurs et à s’engager dans des conversations profondes. Chaque installation sur site suscite un dialogue autour de la communauté montagnarde locale et de ses valeurs uniques. Ensemble, ces éléments distincts contribueront à façonner l’avenir de l’aventure en montagne.

Bienvenue au Forward Stance Studio. Avançons ensemble.

Crystal Mountain | Big Bear Mountain Resort | Blue Mountain | Deer Valley Resort | Solitude Mountain | Winter Park Resort | Sugarbush | Steamboat | Snowshoe | Tremblant |

Crystal Mountain, Washington: Circle of Life Tower, Sculpture – Acier, bois, mosaïque et techniques mixtes par Mary Iverson

Décrivez votre style artistique, vos médiums et vos influences :

J’adore créer des paysages peints de toutes tailles, des petites œuvres sur papier aux fresques murales géantes. Je réalise très rarement des œuvres en trois dimensions, donc la tour que j’ai créée pour Crystal Mountain représente une nouvelle direction enthousiasmante pour moi.

Parlez-nous de votre lien avec le paysage de Crystal Mountain :

Mon lien avec Crystal Mountain remonte à mon enfance. J’ai appris à skier à Crystal quand j’avais deux ans, et depuis, je skie ici avec ma famille. Chaque fois que je suis sur la montagne, je ressens la joie de tous ces souvenirs de journées de ski en famille, de courses avec le Crystal Mountain Alpine Club et de moments passés avec mes amis à Green Valley. J’ai aussi appris à aimer la montagne en été, lors de randonnées en famille avec ma mère, qui nous a appris le nom de toutes les fleurs sauvages et nous a transmis son amour du printemps dans les Cascades.

L’an dernier, j’ai rejoint l’équipe de secours en montagne, en espérant me faire de nouveaux amis et rendre quelque chose à l’endroit que j’aime tant. Dès le début, l’équipe m’a réservé un accueil chaleureux et je suis très heureux de me sentir à nouveau membre de la communauté de la montagne.

Créer cette œuvre d’art dépasse tout ce dont j’aurais pu rêver pendant toutes ces années à skier ici. Elle représente tout ce que la montagne m’a apporté, dans les moments de joie partagés avec ma famille et mes amis.

Parlez-nous du concept de cette œuvre et du processus de sa création :

La Tour du Cercle de la Vie représente la beauté de la nature dans son parcours à travers le temps. Chaque élément visuel s’enroule autour de la tour centrale en une spirale qui évoque les aspects cycliques de la nature : les cycles de la lune, l’alternance des saisons, la force du vent, les quatre directions, la beauté éphémère des fleurs sauvages et la puissance des animaux.

À la base de la structure se trouve une section d’une ancienne tour de télésiège, un fragment du tout premier télésiège (C1). L’histoire contenue dans cette pièce d’acier a inspiré le reste de la conception de la tour. À partir de là, j’ai ajouté des éléments sculpturaux ludiques, comme une belle mosaïque et un moulin à vent fait de skis. Quand j’ai dessiné l’oiseau au sommet de mon projet, cela m’a fait penser aux poteaux d’histoires des Salish de la côte, et j’ai su que je devais collaborer avec un artiste des Premières Nations. Quand j’ai découvert le travail de l’artiste Keith Stevenson de la tribu Muckleshoot, j’ai été totalement inspiré. Il a sculpté le tonnerre d’oiseau en cèdre rouge au sommet de la tour, ainsi que les animaux colorés qui entourent la base de la mosaïque. Ensemble, les sculptures racontent l’histoire de la terre sur laquelle sa famille se tient depuis des temps immémoriaux. Mes amis de Tieton Mosaic ont transformé ma peinture du mont Rainier en un kaléidoscope magique composé de mille morceaux de verre coloré. Au-dessus de la mosaïque tourne un moulin à vent de skis, que m’ont offerts ma famille et les membres de la patrouille de ski, pour représenter ma communauté sur la montagne. Tout le travail de l’acier a été réalisé par les talentueux fabricants de Dillon Works.

En travaillant sur ce projet et en contribuant au paysage de Crystal Mountain, qu’espérez-vous accomplir et quelles conversations espérez-vous susciter ?

Cette tour représente la joie et la beauté. J’espère que tous ceux qui la voient réfléchissent à leur lien avec la nature, à leurs amitiés et à l’histoire ancestrale de cette terre.

Big Bear Mountain Resort, Californie: Snow Dreams, Fresque – techniques mixtes par l’artiste James Haunt

Décrivez votre style artistique, vos médiums et vos influences :

Mon style artistique est une fusion de design graphique numérique et de graffiti, avec une touche de beaux-arts. Mes médiums sont constitués d’applications technologiques et d’un mélange de peintures en aérosol et acryliques, complétés par une variété d’autres outils qui m’aident à réaliser différents projets. Ce projet était un mélange de design graphique et de peinture en aérosol. Je puise mon inspiration dans mes pensées intérieures, le monde qui m’entoure ainsi que dans mes expériences de vie.

Veuillez nous parler de votre lien avec le paysage du Big Bear Mountain Resort.

Mon lien avec la station Big Bear Mountain Resort est profond. J’y ai vécu des moments vraiment marquants sur ces montagnes et j’ai travaillé sur des projets très cool pour la station elle-même, ainsi que pour Red Bull et d’autres marques légendaires. J’ai peint le Beach Bar en 2013 ainsi que le Red Bull Plaza Park. J’ai aussi peint lors du Grenade Games 7, entouré de certains des meilleurs riders au monde qui ridèrent pendant que je peignais.

Je suis honoré d’avoir pu travailler avec une marque aussi emblématique, qui m’a permis de créer mes œuvres et m’a offert un moyen de les partager avec le grand public.

Parlez-nous du concept de cette œuvre et du processus de sa création :

Cette fresque incarne la diversité des passionnés de neige qui se forment à Big Bear et qui utilisent la montagne comme terrain d’expression créative sur la neige. Nous venons tous de lieux différents, de milieux variés, et suivons des chemins distincts. Mais nous glissons tous sur la même neige et venons à Big Bear pour nous inspirer de la créativité et de l’originalité des autres riders. Big Bear est unique parce que c’est un lieu où les passionnés de neige, les leaders de l’industrie et les pionniers peuvent repousser les limites, tester leurs capacités et leur créativité, dans un endroit sans jugement.

En travaillant sur ce projet et en contribuant au paysage de la station Big Bear Mountain Resort, qu’espérez-vous accomplir et quelles conversations espérez-vous susciter ?

J’espère vraiment que les visiteurs de Big Bear apprécieront mon œuvre, qu’ils la regardent de près et en détail ou qu’ils la voient de loin comme quelque chose de vraiment cool qui ressort pendant une tempête de neige. J’espère que les couleurs et le message de ma fresque apporteront de la joie aux gens.

Blue Mountain, Ontario, Canada: Elevate | Mbin’ge, Sculpture – Acier et techniques mixtes par l’artiste Kathryn Corbiere

Décrivez votre style artistique, vos médiums et vos influences :

Mon travail englobe les pratiques métallurgiques et artisanales traditionnelles et contemporaines, tout en cherchant à m’exprimer comme un artisan contemporain ancré au sein d’une communauté autochtone dynamique. Je suis influencé par le temps passé dans la nature, la faune et mes grands-parents.

Parlez-nous de votre lien avec le paysage de Blue Mountain :

Je me sens lié au paysage de nombreuses façons, car ma femme Natalie a grandi à Collingwood, où elle a appris le snowboard et passé son adolescence à Blue Mountain. J’ai commencé le ski il y a quelques années, et nous aimons voyager dans d’autres stations de ski canadiennes. Intégrant souvent la nature dans mon travail, je trouve qu’être à la montagne est une grande source d’inspiration.

Parlez-nous du concept de cette œuvre et du processus de sa création :

À première vue, Elevate attire votre attention par sa forme de montagne distinctive, rappelant une habitation autochtone traditionnelle, comme un wigwam ou un tipi. Ce choix de conception délibéré vise à honorer et à reconnaître l’importance du lieu qu’il occupe, créant un pont entre le passé et le présent. Cependant, contrairement aux structures traditionnelles, Elevate n’a pas de murs. À la place, il accueille chaleureusement les visiteurs dans un espace ouvert et inclusif, qui encourage la réflexion et l’apprentissage. L’absence de murs symbolise l’abolition des barrières et constitue une invitation à s’engager avec les enseignements et les valeurs représentés par chacun des piliers. L’installation est composée de sept piliers, chacun représentant l’un des sept enseignements sacrés enracinés dans les cultures autochtones. Symbolisés par différents animaux, ces enseignements comprennent l’amour, la sagesse, le respect, la vérité, l’humilité, l’honnêteté et le courage, et permettent une compréhension plus profonde afin de favoriser un lien entre les personnes et la terre.

En travaillant sur ce projet et en contribuant au paysage de Blue Mountain, qu’espérez-vous accomplir et quelles conversations espérez-vous susciter ?

Ce fut une occasion extraordinaire de créer cette sculpture pour Blue Mountain. L’endroit où elle se trouve – avec sa vue sur la baie Georgienne – m’apaise, sachant qu’elle repose au cœur de la beauté de la nature. J’espère que les visiteurs continueront à apprécier cette sculpture et à engager des conversations sur les peuples autochtones, les premiers gardiens de la terre sur laquelle elle se trouve.

Deer Valley Resort, Utah: Burns réinventé. Exemple utilisé : Bluebird and Powder Day, sculptures – contreplaqué marine et peinture extérieure pour façade, par l’artiste Anna Moore

Décrivez votre style artistique, vos médiums et vos influences :
Mon style pictural ressemble à la mémoire. La plupart des éléments restent fidèles à la réalité, mais les détails et les couleurs sont intensifiés pour raconter une histoire plus intéressante. Je suis avant tout une artiste paysagiste et j’adore travailler aussi bien à l’aquarelle qu’à l’huile. Des artistes comme Maynard Dixon et Andrew Wyeth m’ont appris à personnifier le paysage et à lui rendre hommage, mais ma plus grande source d’inspiration reste les montagnes et le désert de l’Utah.

Parlez-nous de votre lien avec le paysage de Deer Valley :
Je vis à Park City et j’en suis amoureux depuis presque dix ans. Ces montagnes m’ont donné un véritable sens, autant dans mon travail artistique que dans mes activités sportives, et je leur en suis éternellement reconnaissant. C’est fascinant de voir à quel point le paysage façonne qui nous sommes. Vivre en montagne m’a permis de rencontrer certains de mes plus grands amis et m’a appris la résilience, l’humilité et à toujours lever les yeux.

Parlez-nous du concept de Bluebird et du processus de création :
Ce design est un clin d’œil à l’expression « bluebird day », qui désigne à la fois un ami à plumes et un ciel parfaitement dégagé. À Deer Valley, nous avons beaucoup de journées « bluebird » dignes d’une carte postale, où les sommets enneigés et lumineux transpercent nettement le ciel bleu céruléen profond. Ayant grandi dans le Midwest, où l’hiver était souvent gris et morne, je suis encore stupéfait par la beauté de ce temps ! Le dossier représente ma vue « bluebird » préférée de Clayton Peak depuis le sommet du télésiège Empire. Vous remarquerez aussi un oiseau bleu natif de l’Utah, le Scrub Jay, perché au sommet du télésiège.

Parlez-nous du concept de Powder Day et du processus de création :
Je suis fasciné par les couleurs de la neige. Tôt le matin, le soleil projette une teinte rose doré sur les sommets, et au moment où il se couche, les collines enneigées se parent de reflets ultraviolets. Mais pendant une tempête hivernale, les couleurs de la neige sont si subtiles qu’on distingue à peine la forme de la pente sur laquelle on skie. Pour ce design, je voulais saisir les couleurs de la neige juste après une grosse tempête — quand les ombres ne sont plus que des murmures de bleu pervenche. Parce qu’il n’y a rien de plus doux que de regarder en arrière et de voir sa seule trace de ski serpentant entre les pins moelleux.

En travaillant sur ce projet et en contribuant au paysage de Deer Valley, qu’espérez-vous accomplir et quelles conversations espérez-vous susciter ?
Je veux que ces pièces vous fassent vous arrêter, prendre un instant et remarquer ce qui vous entoure. Que vous fassiez une pause pour poser pour une photo ou que vous reposiez simplement vos jambes entre deux descentes, j’espère que mes chaises vous offriront des espaces apaisants pour ralentir et contempler la beauté tout autour de vous. Pensez à ces chaises comme à des cadres pour un nouveau souvenir de montagne.

Installations supplémentaires comme suit :
Lamont Joseph White, Chaise Lamont White
Jessica Repko, Chaise Arbre Rose & Fleurs Sauvages
Abby Ringquist, Chaise Hommage 2002 & Chaise Snowcat
Philip Vasquez, Chaise Shannon & Chaise Stein

Solitude Mountain Resort, Utah: Solitude Mountain Resort, Utah : Jump Off, peinture – huile sur toile par l’artiste Lamont Joseph White

Décrivez votre style artistique, vos médiums et vos influences :
J’aime décrire mon style artistique comme du réalisme graphique. J’ai été inspiré par l’art des années 80 et 90. Cela inclut certains éléments de graffiti mêlés à mon étude académique de la peinture traditionnelle. J’aime expérimenter de nouvelles techniques et je me surprends généralement moi‑même avec quelque chose de cool quand je le fais.

Veuillez nous parler de votre lien avec le paysage de Solitude :
Les montagnes sont pour moi un lieu de sérénité et de joie. Je garde ce lien avec elles depuis des décennies maintenant, et c’est là que je vais pour m’évader et retrouver un sentiment d’émerveillement, quelle que soit la saison ou l’activité.

Parlez-nous du concept derrière cette œuvre et du processus de sa création :

Ce travail consiste à montrer tout le plaisir et toute l’excitation de jouer en montagne. Le titre de l’œuvre, Jump Off, vient de mon ami qui est DJ. Quand il organisait des soirées, il avait l’habitude de dire : « Ce soir, on va faire un jump off. » Cela correspond bien à cette pièce à cause de la joie et du côté ludique du fait d’être en montagne, à skier ou faire du snowboard.

En travaillant sur ce projet et en contribuant au paysage de Solitude, qu’espérez-vous accomplir et quelles conversations espérez-vous susciter ?
Dans mon art, il y a beaucoup de représentations de personnes que l’on ne voit pas forcément dans les espaces extérieurs. J’aime inclure celles et ceux qui ont l’impression de ne pas avoir leur place en montagne. Mon travail célèbre ces personnes et leur fait savoir qu’elles sont les bienvenues en montagne, quelle que soit leur identité.

Winter Park Resort, Colorado: Heniiniini’ (Il y a de la neige au sol), sculpture, signalétique – acier patiné, acrylique (incrustations), vinyle adhésif par Nativesoutdoors. Forme finale dévoilée à l’hiver 23/24.

Conversation avec le Dr Len Necefer, au nom de Nativesoutdoors

Veuillez nous parler de votre lien avec le paysage de la station de Winter Park :

L’équipe, réunie par NativesOutdoors et comprenant les artistes autochtones Jordan Craig et Vernan Kee, a pour foyer commun le bassin versant du fleuve Colorado. La station de Winter Park Resort, située au sommet de ce bassin versant crucial, est devenue le point central de notre lien avec les montagnes du Colorado et de notre respect pour l’eau qu’elles fournissent aux communautés en aval. Notre équipe est composée d’artistes, d’athlètes, d’ingénieurs et de détenteurs de savoirs traditionnels, tous engagés dans une relation vivante avec ce système fluvial – que ce soit par le ski, le rafting ou la pratique de cérémonies traditionnelles. Notre équipe représente également six nations autochtones qui considèrent toutes une partie du fleuve Colorado comme leur territoire d’origine.

Parlez-nous du concept du projet Heniiniini' et du processus de sa création :

Dans le flux vital du fleuve Colorado, nous embrassons une toile où l’imagination rencontre la critique, ancrant notre récit à ce bassin versant et à la place qu’y occupe la station de Winter Park. Cette œuvre, Heniiniini', est un témoignage de son importance et de notre lien avec elle. Notre pièce centrale, Heniiniini', ornée d’un mot arapaho signifiant « il y a de la neige au sol », devient un phare de notre intention. Pendant ce temps, des panneaux soigneusement sélectionnés intègrent subtilement des mots arapaho dans les repères de pistes de ski familiers. Cette fusion honore les récits autochtones en développant une présence autochtone en montagne qui s’exprime par la beauté et la révérence.

En travaillant sur ce projet et en contribuant au paysage de la station de Winter Park, qu’espérez-vous accomplir et quelles conversations espérez-vous susciter ?

La langue est au cœur de la manière dont les peuples autochtones transmettent, de génération en génération, leurs connaissances des paysages et des lieux. La disparition d’une langue représente aussi la perte de milliers d’années de savoirs écologiques. Adapter la langue et les connaissances culturelles aux nouvelles technologies et à de nouveaux contextes permet à ces savoirs de continuer à prospérer à l’avenir. Notre objectif est de sensibiliser le public grâce à cette série de panneaux « hashtagables », en offrant un espace à ces enjeux, tout en développant et en renforçant la communauté.

Sugarbush, Vermont : orignal, sculpture – acier et techniques mixtes par l’artiste Harlan Mack. La forme finale sera dévoilée à l’hiver 23/24.

Décrivez votre style artistique, vos médiums et vos influences :

Describe your artistic style, mediums, and influences:

Je suis un créateur de mondes narratifs, sculpteur, peintre et conteur. En général, je développe mon travail au sein d’un projet de worldbuilding au long cours, en expansion, constellé, qui émerge de mes expériences, de mes contemplations, de mes centres d’intérêt et de mes recherches. Ces dernières années, j’ai surtout travaillé l’acier, le bois et la peinture. Idéalement, je préfère combiner ces matériaux pour exprimer mon esthétique. Mes influences sont vastes, mais je dois admettre que je suis souvent en dialogue avec les poètes. J’ai le sentiment que la poésie et les poètes ont une manière d’ouvrir et d’approfondir l’importance d’un moment, et j’essaie d’atteindre cela dans mon travail. Les poètes ont aussi des façons si puissantes d’entrer en relation avec les instants de la vie en les mettant en mots, alors qu’ils étaient sans doute auparavant amorphes ou flous. Je suis constamment inspiré par cette capacité.

Veuillez nous parler de votre lien avec le paysage de Sugarbush :
Je suis un artiste né dans le Vermont. J’ai passé la majeure partie de mon enfance hors réseau, au sommet d’une montagne à Washington, dans le Vermont. La vie en montagne, c’est chez moi.

Parlez-nous de votre concept pour Sugarbush et du processus de création :
J’ai proposé une sculpture d’orignal parce que je savais que Sugarbush a une longue histoire qui le relie à un orignal de la région. Pour ma part, j’ai une expérience de création d’animaux en acier qui remonte à 2006, lorsque j’ai décidé de me consacrer au travail du métal et à la sculpture. Quand je réalise une sculpture d’animal, c’est comme un transfert d’informations qui reste vraiment gravé très longtemps dans ma mémoire visuelle. J’adore avoir l’occasion d’approfondir ma compréhension des animaux et la magie de cet animal local si apprécié, en particulier.

En travaillant sur ce projet et en contribuant au paysage de Sugarbush, qu’espérez-vous accomplir et quelles conversations espérez-vous susciter ?
Cela répond au désir de nombreux visiteurs de la région d’être plus connectés au monde naturel. C’est aussi un rappel et un monument pour honorer la faune avec laquelle nous partageons ces espaces. Les orignaux sont des êtres très puissants, et peu de personnes ont l’occasion de les étudier, de se connecter à eux et d’être en leur présence en trois dimensions, et encore moins pendant une période prolongée. Ceux d’entre nous qui ont vu un orignal à l’état sauvage n’en ont probablement aperçu que des bribes, ou l’ont vu d’une trop grande distance pour en absorber les détails. De plus, les orignaux peuvent être très dangereux à rencontrer dans la nature, il ne serait donc pas prudent d’essayer de s’en approcher davantage. D’une certaine manière, mon orignal sera un rappel de ce qu’il faut observer lorsqu’un visiteur apercevra enfin pour la première fois un orignal dans sa vie quotidienne.

Steamboat, Colorado: One Million Branches – Techniques mixtes - acier, fers à cheval usagés, peinture et résine époxy par l’artiste Sage Sullivan. La forme finale sera dévoilée à l’hiver 23/24.

Décrivez votre style artistique, vos médiums et vos influences :
Je suis généralement une artiste traditionnelle qui travaille avec des matériaux de dessin et de peinture. Mon travail est figuratif, avec des messages conceptuels. J’ai travaillé dans de nombreux médiums différents, en art plastique, en art de production et sur commande. De plus, j’ai étudié d’autres facettes de l’art comme la sculpture, la gravure et le travail du verre. J’essaie de saisir une forme de poésie tout en explorant des sujets difficiles. Beaucoup de mes œuvres présentent un point focal qui attire le regard du spectateur, afin qu’il puisse, je l’espère, découvrir davantage de sens à propos de l’œuvre et de lui-même. Pour cette commande, je me suis inspirée des chefs‑d’œuvre de David Schwarz, Dale Chihuly et David Patchen. Mes autres sources d’inspiration viennent des écosystèmes environnants des Rocheuses et de Steamboat Springs. Les trembles, les fleurs sauvages et l’alpenglow sont les symboles physiques les plus marquants. Sur le plan conceptuel, j’ai intégré les motifs de la bonne gestion de l’environnement et de la communauté.

Veuillez nous parler de votre lien avec le paysage de Steamboat :

La communication et les relations mises en scène par les éléments de cette œuvre représentent notre communauté de montagne et la façon dont elle est dispersée aux quatre coins du monde. Grâce à l’esprit accueillant et chaleureux de Ski Town, U.S.A.®, vous trouverez toujours un ami de la vallée avec qui reprendre contact ou sur qui vous appuyer. Nous avons tous des formes, des tailles et des couleurs différentes, et nous avons chacun nos forces, nos faiblesses et nos talents à offrir à notre petit coin des Rocheuses. Alors venez comme vous êtes. Venez avec vos amis, votre famille, vos proches.

Parlez-nous du concept de cette œuvre et du processus de sa création :

J’ai imaginé une œuvre qui invite les visiteurs à se reposer, à jouer, à réfléchir et à trouver leur propre sentiment d’appartenance. Donner vie à cette pièce sera une entreprise immense, à la fois mentalement et physiquement, et je suis honoré d’assumer cette tâche afin d’inviter chacun à se sentir le bienvenu dans les montagnes de Steamboat Springs.

En travaillant sur ce projet et en contribuant au paysage de Steamboat, qu’espérez-vous accomplir et quelles conversations espérez-vous susciter ?

Ma vision se concentre sur plusieurs aspects, notamment :

• La diversité et l’unicité, ainsi que la robustesse innée des fleurs sauvages, qui expriment une profonde célébration et un profond respect des groupes marginalisés, y compris, sans s’y limiter, les communautés BIPOC et LGTBQIA2S+.

• Connectivité à travers les peupliers faux-trembles, l’un des plus grands organismes vivants sur Terre. « Nous pouvons tous sembler être des individus singuliers alors qu’en réalité, les êtres humains ne peuvent pas survivre seuls. Nous ne faisons pas qu’aspirer à la communauté et au lien : nous en avons fondamentalement besoin pour survivre. »

Snowshoe Mountain, West Virginia: Cœur de la montagne, sculpture – argile, fibre de verre et techniques mixtes par l’artiste Jamie Lester. La forme finale sera dévoilée à l’hiver 23/24.

Décrivez votre style artistique, vos médiums et vos influences :

Je travaille avec un large éventail de médiums, notamment la sculpture en céramique et en acier ainsi que la peinture murale à grande échelle. La sculpture sur argile a été l’une des formes d’art les plus formatrices que j’ai pratiquées. La plupart des œuvres d’art publiques en bronze que j’ai réalisées commencent par l’argile, puis sont moulées pour créer la cire utilisée dans le procédé de la cire perdue. Je suis également attiré par l’immédiateté et la résistance à la traction de l’acier soudé. Beaucoup de mes œuvres associent à la fois des formes en argile sculptée et en acier soudé, puis sont achevées par une mise en couleur.

Parlez-nous de votre lien avec le paysage de Snowshoe :

Je suis né dans le sud de la Virginie-Occidentale et je vis maintenant dans le nord de l’État. Snowshoe est un phare brillant dans notre État, offrant parmi les meilleures pistes de ski de la côte Est. Je pratique le télémark et j’aime aussi le ski de fond.

Parlez-nous du concept de cette œuvre et du processus de sa création :

Ma sculpture s’intitule Cœur de la montagne. Elle représente une « Terre Mère » anthropomorphisée qui se défend sur de nombreux fronts, notamment contre la déforestation et différentes formes d’extraction de combustibles fossiles. Le cœur de la montagne a été blindé pour le protéger de tout dommage. L’Esprit de la Montagne fixe le spectateur sans la moindre excuse, avec férocité et courage, luttant pour survivre. La sculpture commence par un modelage en argile, puis la création d’un moulage renforcé de fibre de verre du visage et du cœur. Ces éléments sont ensuite intégrés dans une structure en acier qui a la forme à la fois d’un flanc de montagne et de la tête et des épaules d’une figure humaine.

En travaillant sur ce projet et en contribuant au paysage de Snowshoe, qu’espérez-vous accomplir et quelles conversations espérez-vous susciter ?

Mon travail n’est souvent pas didactique. J’aime que le spectateur tire ses propres conclusions sur le sens de l’œuvre et invente ses propres histoires. Je pense que cette œuvre attirera l’attention des visiteurs de Snowshoe et les amènera à se poser des questions sur le réchauffement climatique, les causes du changement climatique, et peut-être même les incitera à agir.

Tremblant, Québec, Canada: Emmène-moi au sommet, sculpture – acier recyclé, métaux et techniques mixtes par l’artiste Mathieu Isabelle

Parlez-nous de votre lien avec le paysage de Tremblant :

Dans la région des Laurentides, Tremblant et son village piétonnier ont toujours été pour moi un endroit où je peux décrocher. Même si ce n’est qu’à quelques minutes de chez moi, on a l’impression d’être en vacances, libre. L’ambiance qui y règne est unique, à mon avis. Le paysage et la communauté sont un atout majeur pour notre région, ce qui explique sa renommée internationale.

Parlez-nous du concept de cette œuvre et du processus de sa création :

Emmène-moi au sommetillustre l’ascension métaphorique, les grands espaces et l’accomplissement, tout en mettant en lumière les efforts d’écotourisme de Tremblant au fil des années grâce à l’utilisation de matériaux durables combinés à des pièces de métaux recyclés provenant de canons à neige et de télésièges. Plus je me rapprochais de la formation de la silhouette de la figure, plus je ressentais l’énergie nécessaire pour me dépasser et faire confiance à la vision qui s’étend au-delà de l’horizon. Cette sculpture, qui se dresse fièrement au pied de la montagne, est aussi sereine que pleine de vie.

En travaillant sur ce projet et en contribuant au paysage de Tremblant, qu’espérez-vous accomplir et quelles conversations espérez-vous susciter ?

J’espère encourager les gens à se confronter aux subtilités qui font leur singularité et à les pousser à vivre pleinement leur potentiel. Nous sommes tous reliés par notre volonté personnelle de nous réaliser entièrement.