Artistes du studio Forward Stance
Un connecteur, un communicateur, une perspective et une déclaration – le programme Forward Stance Studio facilite et célèbre les nombreuses expériences transformatrices au sein de nos communautés de montagne distinctives. Fondé en 2022 en tant que projet continu pluriannuel, le programme sert de catalyseur pour les connexions communautaires et la construction de relations tout en mettant en lumière des artistes divers, locaux et durables.
De cette manière, le Forward Stance Studio vise à cultiver une culture inclusive et durable qui invite tout le monde à des moments révélateurs et à des conversations significatives. Chaque installation de destination lance des discussions concernant la communauté montagnarde locale et ses valeurs spécifiques. En tant que collectif, ces pièces distinctes aideront à façonner l'avenir de l'aventure en montagne.
Bienvenue au Forward Stance Studio. Ensemble, allons de l'avant.
Montagne de Cristal, Washington: Tour du Cercle de la Vie, Sculpture – Acier, Bois, Mosaïque et Techniques Mixtes par Mary Iverson
Décrivez votre style artistique, vos médiums et vos influences :
J'adore créer des peintures de paysages de toutes tailles, des petites œuvres sur papier jusqu'aux immenses fresques murales. Je crée très rarement des œuvres tridimensionnelles, donc la tour que j'ai réalisée pour Crystal Mountain représente une nouvelle orientation excitante pour moi.
Veuillez nous parler de votre lien avec le paysage de la Montagne de Cristal :
Mon lien avec Crystal Mountain remonte à mon enfance. J'ai appris à skier à Crystal quand j'avais deux ans, et depuis, je skie ici avec ma famille. À chaque fois que je suis sur la montagne, je ressens les souvenirs joyeux de toutes ces années de journées de ski en famille, de courses avec le Crystal Mountain Alpine Club et de moments passés avec mes amis dans Green Valley. J'ai aussi appris à aimer la montagne en été, en faisant des randonnées familiales avec ma mère, qui nous apprenait les noms de toutes les fleurs sauvages et partageait son amour du printemps dans les Cascades.
L'année dernière, j'ai rejoint la patrouille de ski, dans l'espoir de me faire de nouveaux amis et de rendre à l'endroit que j'aime tant. Dès le début, la patrouille m'a chaleureusement accueilli et je suis très heureux de me sentir à nouveau membre de la communauté de la montagne.
Créer cette œuvre d'art est plus que ce dont je pouvais rêver durant toutes mes journées de ski ici. Elle représente tout ce que la montagne m'a offert, dans les moments de joie avec ma famille et mes amis.
Parlez-nous du concept de cette œuvre et du processus de sa création :
La Tour du Cercle de la Vie représente la beauté de la nature dans son parcours à travers le temps. Chaque élément visuel s'enroule autour de la tour centrale, dans une spirale qui fait écho aux aspects cycliques de la nature : les cycles lunaires, le changement des saisons, la force du vent, les quatre directions, la beauté éphémère des fleurs sauvages et la puissance des animaux.
À la base de la structure se trouve une section d'une ancienne tour de télésiège, un fragment du premier télésiège (C1). L'histoire contenue dans ce morceau d'acier a inspiré le reste de la conception de la tour. À partir de là, j'ai ajouté des éléments sculpturaux amusants, comme une belle mosaïque et un girouette fait de skis. Lorsque j'ai dessiné l'oiseau au sommet de ma conception, cela m'a fait penser aux mâts totémiques de la côte Salish, et j'ai su que je devais collaborer avec un artiste des Premières Nations. Quand j'ai vu le travail de l'artiste Keith Stevenson de la tribu Muckleshoot, j'ai été totalement inspiré. Il a sculpté le Thunderbird en cèdre rouge au sommet de la tour, et les animaux colorés qui entourent la base de la mosaïque. Ensemble, les sculptures racontent l'histoire de la terre sur laquelle sa famille se tient depuis la nuit des temps. Mes amis de Tieton Mosaic ont traduit ma peinture du mont Rainier en un kaléidoscope magique avec mille morceaux de verre coloré. Tournant au-dessus de la mosaïque, il y a une girouette de skis, qui m'a été donnée par ma famille et la patrouille de ski, pour représenter ma communauté sur la montagne. Le travail de l'acier a été entièrement réalisé par les fabricants talentueux chez Dillon Works.
En travaillant sur ce projet et en contribuant au paysage de Crystal Mountain, qu'espérez-vous accomplir et quelles conversations espérez-vous susciter ?
Cette tour symbolise la joie et la beauté. J'espère que tous ceux qui la voient réfléchissent à leur lien avec la nature, à leurs amitiés et à l'histoire ancienne de la terre.
Station de Montagne Big Bear, Californie : Rêves de Neige, Murale – Techniques mixtes par l'artiste James Haunt
Décrivez votre style artistique, vos médiums et vos influences :
Mon style artistique est une fusion de design graphique numérique et de graffiti avec un mélange d'art plastique. Mes médiums sont constitués d'applications basées sur la technologie et d'un mélange de peintures aérosol et acryliques avec une gamme d'autres outils pour m'aider à réaliser différents projets. Ce projet était un mélange de design graphique et de peinture aérosol. Je puise mon influence dans mes pensées intérieures et le monde qui m'entoure, ainsi que dans mes expériences de vie.
Veuillez nous parler de votre lien avec le paysage de la station de montagne Big Bear.
Mon lien avec la station de montagne Big Bear Mountain est profond. J'ai vécu des moments transformateurs sur ces montagnes et travaillé sur des projets vraiment cool pour la station elle-même, ainsi que pour Red Bull et d'autres marques légendaires. J'ai peint le Beach Bar en 2013 et le Red Bull Plaza Park. J'ai également peint lors des Grenade Games 7, entouré de certains des meilleurs riders du monde qui faisaient du snowboard pendant que je peignais.
Je suis honoré d'avoir pu travailler avec une marque emblématique qui m'a permis de créer mes œuvres d'art et m'a donné un moyen de les partager avec le grand public.
Parlez-nous du concept de cette œuvre et du processus de sa création :
Cette fresque incarne la diversité des amateurs de neige qui est cultivée à Big Bear et utilise la montagne comme un moyen d'être créatif sur la neige. Nous venons tous de différents endroits, de milieux divers et empruntons des chemins différents. Mais nous glissons tous sur la même neige et venons à Big Bear pour nous inspirer de la créativité et de l'unicité des autres riders. Big Bear est unique car c'est un lieu pour les passionnés de neige, les leaders de l'industrie et les pionniers pour repousser les limites, tester les frontières et la créativité dans un endroit sans jugement.
En travaillant sur ce projet et en contribuant au paysage de Big Bear Mountain Resort, quels sont vos objectifs et quelles discussions espérez-vous susciter ?
J'espère vraiment que les invités de Big Bear apprécient mon œuvre, qu'elle soit plus détaillée et vue de près ou qu'elle ait l'air vraiment cool de loin et ressorte pendant une tempête de neige. J'espère que la couleur et le message de ma fresque apportent de la joie aux gens.
Montagne Bleue, Ontario, Canada: Elevate | Mbin’ge, Sculpture – Acier et techniques mixtes par l'artiste Kathryn Corbiere
Décrivez votre style artistique, vos médiums et vos influences :
Mon travail englobe des pratiques traditionnelles et contemporaines de la métallurgie et de l'artisanat tout en cherchant à m'exprimer en tant qu'artisan contemporain ancré au sein d'une communauté autochtone dynamique. Je suis influencé par le temps passé dans la nature, la faune et mes grands-parents.
Veuillez nous parler de votre lien avec le paysage de la Montagne Bleue :
Je me sens lié au paysage de plusieurs manières, car ma femme Natalie a grandi à Collingwood, apprenant à faire du snowboard et passant ses années d'adolescence à Blue Mountain. J'ai commencé à skier il y a quelques années, et nous aimons voyager vers d'autres communautés de ski canadiennes. Souvent en intégrant la nature dans mon travail, je trouve l'inspiration sur la montagne.
Parlez-nous du concept de cette œuvre et du processus de sa création :
Au premier regard, Elevate capte votre attention avec sa forme distincte de montagne, rappelant une habitation traditionnelle autochtone, telle qu'un wigwam ou un tipi. Ce choix de conception intentionnel cherche à honorer et reconnaître l'importance du lieu qu'il occupe, en faisant le pont entre le passé et le présent. Cependant, contrairement aux structures traditionnelles, Elevate n'a pas de murs. Au lieu de cela, il accueille chaleureusement les visiteurs dans un espace ouvert et inclusif, encourageant la réflexion et l'apprentissage. L'absence de murs symbolise la démolition des barrières et lance une invitation aux individus pour qu'ils s'engagent avec les enseignements et les valeurs représentés par chaque pilier. L'installation est composée de sept piliers, chacun représentant l'un des sept enseignements sacrés ancrés dans les cultures autochtones. Symbolisés par différents animaux, ces enseignements incluent l'amour, la sagesse, le respect, la vérité, l'humilité, l'honnêteté et le courage, et facilitent une compréhension plus profonde pour favoriser une connexion entre les peuples et la terre.
En travaillant sur ce projet et en contribuant au paysage de Blue Mountain, qu'espérez-vous accomplir et quelles conversations espérez-vous susciter ?
C'était une opportunité incroyable de créer cette sculpture pour Blue Mountain. L'endroit où la sculpture se trouve – avec sa vue sur la baie Georgienne – me réconforte, sachant qu'elle repose dans la beauté de la nature. J'espère que les visiteurs continueront à apprécier cette sculpture et à poursuivre les conversations sur les peuples autochtones, les premiers gardiens de la terre où elle se trouve.
Deer Valley Resort, Utah: Burns réinventé. Exemple utilisé : les sculptures Bluebird and Powder Day de Anna Moore – Contreplaqué de qualité marine & Peinture extérieure par l'artiste Anna Moore
Décrivez votre style artistique, vos médiums et vos influences :
Mon style de peinture est comme la mémoire. La plupart reste fidèle à la réalité, mais les détails et les couleurs ont été intensifiés pour raconter une histoire plus intéressante. Je suis avant tout un artiste paysagiste, et j'aime travailler aussi bien à l'aquarelle qu'à l'huile. Des artistes comme Maynard Dixon et Andrew Wyeth m'ont appris à personnifier et à vénérer le paysage, mais ma plus grande inspiration reste les montagnes et le désert de l'Utah.
Veuillez nous parler de votre lien avec le paysage de Deer Valley :
Je vis et j'aime Park City depuis presque une décennie. Ces montagnes m'ont donné un tel but, à la fois dans mon art et mes efforts athlétiques et je leur suis éternellement reconnaissant. C'est fascinant de voir comment le paysage façonne qui nous sommes en tant qu'individus. Vivre dans les montagnes m'a présenté certains de mes meilleurs amis, et m'a appris la résilience, l'humilité et à toujours regarder vers le haut.
Parlez-nous du concept de Bluebird et du processus de sa création :
Ce design est un jeu de mots sur l'expression « journée bleue », qui décrit à la fois un ami ailé et un ciel parfaitement dégagé. À Deer Valley, nous avons beaucoup de journées bleues idylliques où les sommets blancs éclatants transpercent le ciel bleu profond. Ayant grandi dans le Midwest, l'hiver était souvent gris et morne, donc la beauté de ce temps me surprend toujours ! Le dossier est ma vue « bleue » préférée du pic Clayton depuis le sommet du télésiège Empire. Vous remarquerez aussi un oiseau bleu natif de l'Utah, le Geai buissonnier, perché au sommet du télésiège.
Parlez-nous du concept de Powder Day et du processus de création :
Je suis fasciné par les couleurs de la neige. Tôt le matin, le soleil projette une teinte rose dorée sur les sommets des montagnes, et lorsque le soleil se couche, les collines enneigées brillent d'un ultraviolet. Mais pendant une tempête hivernale, les couleurs de la neige sont si subtiles, que parfois on peut à peine distinguer la forme de la colline sur laquelle on skie. Pour ce design, je voulais capturer les couleurs de la neige juste après une grosse tempête — lorsque les ombres ne sont que de faibles murmures d'un pervenche. Parce qu'il n'y a rien de plus doux que de regarder en arrière vos propres traces de ski entre les pins douillets.
En travaillant sur ce projet et en contribuant au paysage de Deer Valley, quels sont vos objectifs et quelles conversations espérez-vous susciter ?
Je souhaite que ces œuvres vous fassent vous arrêter, prendre un moment et observer. Que vous vous arrêtiez pour prendre une photo, ou que vous vous reposiez simplement entre deux descentes, j'espère que mes chaises vous offriront des espaces apaisants pour ralentir et apprécier la beauté tout autour de vous. Considérez ces chaises comme des cadres pour un nouveau souvenir de montagne.
Installations supplémentaires comme suit :
Lamont Joseph White, Chaise Lamont White
Jessica Repko, Chaise Arbre Rose & Fleur Sauvage
Abby Ringquist, Chaise Hommage 2002 & Chaise Snowcat
Philip Vasquez, Chaise Shannon & Chaise Stein
Solitude Mountain Resort, Utah: Saut dans le vide, Peinture à l'huile sur toile par l'artiste Lamont Joseph White
Décrivez votre style artistique, vos médiums et vos influences :
J'aime décrire mon style artistique comme du réalisme graphique. J'ai été inspiré par l'art des années 80 et 90. Cela inclut certains éléments de graffiti mélangés à mon étude académique de la peinture traditionnelle. J'aime expérimenter de nouvelles techniques et je me surprends souvent avec quelque chose de cool lorsque je le fais.
Veuillez nous parler de votre lien avec le paysage de la Solitude :
Les montagnes sont mon havre de sérénité et de joie. J'ai ce lien avec les montagnes depuis des décennies maintenant et c'est mon endroit pour m'évader et ressentir de l'émerveillement quelle que soit la saison ou l'activité.
Parlez-nous du concept de cette œuvre et du processus de sa création :
Cette œuvre vise à montrer le plaisir et l'excitation de jouer dans les montagnes. Le nom de l'œuvre, Jump Off, vient de mon ami qui est DJ. Lorsqu'il organisait des soirées, il disait : "Ce soir, on va faire un jump off." Cela correspond bien à cette œuvre en raison de la nature joyeuse et amusante du ski ou du snowboard en montagne.
En travaillant sur ce projet et en contribuant au paysage de la Solitude, quels sont vos objectifs et quelles discussions espérez-vous susciter ?
Dans mon art, il y a beaucoup de représentations de personnes que vous ne voyez peut-être pas habituellement dans les espaces extérieurs. J'aime intégrer ceux qui peuvent se sentir comme s'ils n'avaient pas leur place en montagne. Mon œuvre célèbre ces personnes et leur fait savoir qu'ils sont les bienvenus sur la montagne, peu importe qui ils sont.
Winter Park Resort, Colorado: Heniiniini’ (Il y a de la neige au sol), Sculpture, Signalétique – Acier patiné, acrylique (incrustations), appliqué en vinyle par Nativesoutdoors. La forme finale sera dévoilée en hiver 23/24.
Conversation avec le Dr. Len Necefer, au nom de Nativesoutdoors
Veuillez nous parler de votre lien avec le paysage du Winter Park Resort :
L'équipe, rassemblée par NativesOutdoors, comprenant les artistes autochtones Jordan Craig et Vernan Kee, considèrent tous le bassin versant du fleuve Colorado comme leur foyer. La station de Winter Park Resort, située au sommet de ce bassin fluvial essentiel, a fourni le point central de notre connexion aux montagnes du Colorado et notre respect pour l'eau qu'elle fournit aux communautés en aval. Notre équipe est composée d'artistes, d'athlètes, d'ingénieurs et de détenteurs de savoirs traditionnels qui participent tous à être connectés à ce système fluvial - que ce soit par le ski, le rafting ou la pratique de cérémonies traditionnelles. Notre équipe représente également six nations autochtones qui considèrent toutes des parties du fleuve Colorado comme leur foyer.
Parlez-nous du concept du projet Heniiniini' et du processus de sa création :
Dans le flux vital du fleuve Colorado, nous embrassons une toile où l'imagination rencontre la critique, ancrant notre récit à ce bassin versant et à la place qu'occupe la station de ski de Winter Park dans ce tableau. Cette œuvre, Heniiniini', est un témoignage de son importance et de notre connexion avec elle. Notre pièce centrale, Heniiniini', ornée d'un mot arapaho signifiant "il y a de la neige au sol", devient un phare de notre intention. Pendant ce temps, des panneaux soigneusement sélectionnés intègrent subtilement des mots arapaho dans les balises familières des pistes de ski. Cette fusion rend hommage aux récits autochtones en développant une présence montagnarde autochtone qui s'exprime à travers la beauté et le respect.
En travaillant sur ce projet et en contribuant au paysage de Winter Park Resort, qu'espérez-vous accomplir et quelles conversations espérez-vous susciter ?
La langue est essentielle à la manière dont les peuples autochtones partagent la connaissance du paysage et du lieu de génération en génération. La perte de la langue représente également la perte de milliers d'années de savoir écologique. Adapter la langue et les connaissances culturelles aux nouvelles technologies et contextes permet de continuer à prospérer à l'avenir. Notre objectif est d'impliquer le public avec cette série de panneaux « hashtagables », en donnant de l'espace à ces problématiques, tout en développant et en faisant croître la communauté.
Sugarbush, Vermont : Orignal, Sculpture – Acier & Techniques mixtes par l'artiste Harlan Mack. La forme finale sera dévoilée à l'hiver 23/24.
Décrivez votre style artistique, vos médiums et vos influences :
Je suis un créateur d'univers narratifs, sculpteur, peintre et conteur. Généralement, je produis des œuvres dans le cadre de projets de construction de mondes à long terme, en expansion et constellés, qui émergent de mes expériences, réflexions, intérêts et études. Ces dernières années, j'ai principalement travaillé l'acier, le bois et la peinture. Idéalement, je préfère combiner ces matériaux pour exprimer mon esthétique. Mes influences sont variées, mais je dois admettre que je suis souvent en conversation avec des poètes. Je sens que la poésie et les poètes ont une manière d'ouvrir et de plonger plus profondément dans l'importance d'un moment, et j'essaie d'atteindre cela dans mon travail. Les poètes ont également des moyens si puissants d'engager les moments de la vie en les mettant en mots qui étaient probablement amorphes ou peu clairs auparavant. Je suis toujours inspiré par cette capacité.
Veuillez nous parler de votre lien avec le paysage de Sugarbush :
Je suis un artiste né au Vermont. J'ai été élevé pendant la majeure partie de mon enfance hors réseau au sommet d'une montagne à Washington, VT. La vie en montagne est mon chez-moi.
Parlez-nous de votre concept pour Sugarbush et du processus de création :
J'ai proposé une sculpture d'orignal car je savais que Sugarbush avait une longue histoire liée à un orignal dans la région. Pour ma part, j'ai une histoire de création d'animaux en acier qui remonte à 2006, lorsque j'ai décidé de me consacrer à la métallurgie et à la sculpture. Quand je réalise une sculpture d'animal, c'est comme un téléchargement d'informations qui reste vraiment gravé très longtemps dans ma mémoire visuelle. J'adore avoir l'opportunité de plonger plus profondément dans ma compréhension des animaux et la magie de cet animal local bien-aimé, en particulier.
En travaillant sur ce projet et en contribuant au paysage de Sugarbush, qu'espérez-vous accomplir et quelles conversations espérez-vous inspirer ?
Cela témoigne du désir de nombreux visiteurs de la région de se sentir plus connectés avec le monde naturel. Cela sert également de rappel et de monument pour honorer la faune avec laquelle nous partageons ces espaces. Les orignaux sont des êtres très puissants, et peu de gens ont l'opportunité d'étudier, de se connecter et d'être présents avec eux en trois dimensions, encore moins pendant une période prolongée. Ceux d'entre nous qui ont vu un orignal dans la nature n'ont probablement aperçu que des bribes ou les ont vus de trop loin pour absorber les détails. De plus, les orignaux peuvent être très dangereux à rencontrer à l'état sauvage, donc il ne serait pas sage d'essayer de s'en approcher davantage. D'une certaine manière, mon orignal sera un rappel de ce qu'il faut chercher lorsqu'un visiteur aperçoit enfin son premier orignal dans sa vie quotidienne.
Steamboat, Colorado: Un Million de Branches – Techniques mixtes - Acier, fers à cheval usagés, peinture et résine époxy par l'artiste Sage Sullivan. La forme finale sera dévoilée à l'hiver 23/24.
Décrivez votre style artistique, vos médiums et vos influences :
Je suis généralement un artiste traditionnel travaillant avec des matériaux de dessin et de peinture. Mes œuvres sont représentatives, avec des messages conceptuels. J'ai travaillé dans de nombreux médiums différents des beaux-arts, de l'art de production et des commandes. De plus, j'ai étudié d'autres facettes de l'art telles que la sculpture, la gravure et le travail du verre. J'essaie de capturer un sens de la poésie tout en explorant des sujets difficiles. Beaucoup de mes pièces comportent un point focal qui attire le spectateur, pour espérer découvrir plus de signification sur l'art et sur eux-mêmes. Pour cette commande, je me suis inspiré des chefs-d'œuvre de David Schwarz, Dale Chihuly et David Patchen. Mes autres inspirations viennent des écosystèmes environnants des Rocheuses et de Steamboat Springs. Les arbres aspens, les fleurs sauvages et la lueur alpine sont les symboles physiques prédominants. Conceptuellement, j'ai intégré les motifs de bonne gestion et de communauté.
Veuillez nous parler de votre lien avec le paysage de Steamboat :
La communication et les relations affichées par les éléments de cette œuvre représentent notre communauté montagnarde et comment elle est répandue dans le monde entier. À travers l'esprit accueillant et hospitalier de Ski Town, U.S.A.®, vous pouvez toujours trouver un ami de la vallée pour rattraper le temps perdu ou sur qui compter. Nous venons tous de différentes formes, tailles et couleurs, et nous avons tous nos propres forces, faiblesses et dons à apporter à notre petit coin des montagnes Rocheuses. Alors venez tel que vous êtes. Venez avec vos amis, votre famille, vos proches.
Parlez-nous du concept de cette œuvre et du processus de sa création :
J'ai imaginé une œuvre qui encourage les invités à se reposer, à jouer, à réfléchir et à trouver leur propre appartenance. Donner vie à cette pièce sera un énorme défi, tant mentalement que physiquement, et je suis honoré de prendre en charge cette tâche pour inviter tout le monde à se sentir le bienvenu dans les montagnes de Steamboat Springs.
En travaillant sur ce projet et en contribuant au paysage de Steamboat, quels sont vos objectifs et quelles discussions espérez-vous susciter ?
Ma vision se concentre sur plusieurs aspects, y compris :
• Diversité et unicité, ainsi que la robustesse innée des fleurs sauvages, qui témoignent de la célébration intégrale et du respect pour les groupes marginalisés, y compris, mais sans s'y limiter, les communautés BIPOC et LGTBQIA2S+.
• Connectivité à travers les peupliers trembles, l'un des plus grands organismes vivants sur terre. « Nous pouvons tous sembler être des individus singuliers, alors qu’en réalité – les humains ne peuvent pas survivre seuls. Nous désirons non seulement la communauté et la connexion mais en avons fondamentalement besoin pour survivre. »
Montagne Snowshoe, Virginie-Occidentale: Cœur de la montagne, Sculpture – Argile, Fibre de verre & Techniques mixtes par l'artiste Jamie Lester. La forme finale sera dévoilée à l'hiver 23/24.
Décrivez votre style artistique, vos médiums et vos influences :
Je travaille avec une large gamme de médiums, incluant la sculpture en céramique et en acier ainsi que la peinture murale à grande échelle. La sculpture en argile a été l'une des formes d'art les plus formatrices que j'ai utilisées. La plupart des œuvres d'art public en bronze que j'ai réalisées commencent par l'argile puis sont coulées dans des moules pour créer la cire nécessaire au processus de la cire perdue. Je suis également attiré par l'immédiateté et la résistance à la traction de l'acier soudé. Beaucoup de mes œuvres présentent à la fois des formes sculptées en argile et en acier soudé, puis sont finies par de la peinture.
Veuillez nous parler de votre lien avec le paysage des raquettes à neige :
Je suis né dans le sud de la Virginie-Occidentale et je réside maintenant dans la partie nord de l'État. Snowshoe est un phare éclatant dans notre État, offrant certaines des meilleures pistes de ski de la côte Est. Je suis un skieur de télémark et j'apprécie le ski de fond.
Parlez-nous du concept de cette œuvre et du processus de sa création :
Ma sculpture est intitulée, Cœur de la Montagne. Elle représente une "Terre Mère" anthropomorphe qui se défend sur plusieurs fronts, y compris contre la déforestation et différentes formes d'extraction de combustibles fossiles. Le cœur de la montagne a été blindé pour le protéger des dommages. L'Esprit de la Montagne regarde le spectateur sans excuses, avec force, courage, luttant pour survivre. La sculpture est commencée par le modelage en argile et la création d'un moulage renforcé de fibre de verre du visage et du cœur. Ces éléments sont ensuite placés dans une structure en acier qui ressemble à la fois à un flanc de montagne et à la tête et aux épaules d'une figure humaine.
En travaillant sur ce projet et en contribuant au paysage de Snowshoe, qu'espérez-vous accomplir et quelles conversations espérez-vous susciter ?
Mon travail n'est souvent pas didactique. J'aime que le spectateur tire ses propres conclusions sur la signification de l'œuvre et qu'il invente ses propres histoires. Je pense que cette œuvre attirera l'attention des visiteurs à Snowshoe, et les incitera à poser des questions sur le réchauffement climatique, les causes du changement climatique, et peut-être même les encouragera à passer à l'action.
Tremblant, Québec, Canada: Emmène-moi au sommet, Sculpture – Acier récupéré, métaux et techniques mixtes par l'artiste Mathieu Isabelle
Veuillez nous parler de votre lien avec le paysage de Tremblant :
Dans la région des Laurentides, Tremblant et son village piétonnier ont toujours été pour moi un lieu où je peux me déconnecter. Bien qu'il ne soit qu'à quelques minutes de chez moi, on a l'impression d'être en vacances, libre. L'atmosphère y est unique, à mon avis. Le paysage et la communauté sont un grand atout pour notre région, ce qui explique sa notoriété internationale.
Parlez-nous du concept de cette œuvre et du processus de sa création :
Emmène-moi au sommet illustre l'ascension métaphorique, les espaces ouverts et la réussite, tout en soulignant les efforts d'éco-tourisme de Tremblant au cours des dernières années en utilisant des matériaux durables combinés à des pièces de métaux recyclés provenant de canons à neige et de télésièges. Plus je me rapprochais de la formation de la silhouette de la figure, plus je ressentais d'énergie pour me surpasser et faire confiance à la vision qui se trouve au-delà de l'horizon. Cette sculpture, qui se dresse fièrement à la base de la montagne, est aussi sereine que pleine de vie.
En travaillant sur ce projet et en contribuant au paysage de Tremblant, quels sont vos objectifs et quelles discussions espérez-vous susciter ?
J'espère encourager les gens à affronter les complexités qui les rendent uniques et à les défier de vivre pleinement leur potentiel. Nous sommes tous reliés par notre volonté personnelle de nous réaliser pleinement.